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et avant d'être artiste ? >>> 25 ans en entreprise dont postes à responsabilités (service financier et transport), + dix ans au camp de Bitche au titre d'un sport de haut niveau, puis temps "famille"... Pourquoi j'en parle ? parce que dans ma vie actuelle c'est une garantie de sérieux & de professionalisme pour mes clients & organisateurs événementiels.

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Après avoir abordé la photo DE son aquarelle terminée, dans un autre ordre d’idée… les étapes d’avant…

ALSACE | REICHSHOFFEN |  PHOTOS | ANIMAUX | CAPRINES | MOUTONS | PEINTUREMAMANLOTUS | Christiane ALLENBACH | _2013_03_08_113J’aimerais ici dire quelques mots concernant la photographie car la plupart des artistes-peintres modernes, ne pouvant rémunérer un modèle pour la dizaine d’heures minimum nécessaires à un portrait et ne pouvant se déplacer plusieurs fois à un lieu pittoresque (il faut y aller faire le croquis, puis jeter les bases et enfin finaliser les ombres et si possible à la même heure, c’est assez prenant)… ont recours à la photographie comme base de leur travaille d’artiste.

Je le fais parfois mais de loin pas systématiquement, j’ai déjà expliqué pourquoi, notamment ici.

A la décharge des artistes contemporains, le matériel photographique et informatique est de plus en plus sophistiqué. Mais ce n’est pas qu’un avantage, il y a aussi nombre de pièges et ils faut les connaîtres pour profiter des points positifs de cette méthode sens laisser transparaître dans son oeuvre les aspects négatifs comme par exemple une déformation de la perspective, un rendu trop plat ou d’autres grosses erreurs techniques. Car je l’ai dit et je le rappelle sans arrêt, ce qui peut très bien passer en version photo ne passera PAS mais alors pas du tout en art. Exemple :
CHRISTIANE ALLENBACH DOC TRISKELL EN ARCHITECTURELes principes de la composition photographique ne sont pas tous exactement pareils à ceux de la peinture voire de l’illustration (et encore moins des mangas)… et l’Artiste-Peintre qui aura appris les bases chez un bon professeur se trouvera confronté parfois à des choix lourds de conséquence… Seule une bonne connaissance à la fois en Art et en photos permettra à l’Artiste de s’en sortir sans que son Art ait à souffrir du choix de travailler selon photo.

ALLENBACH CHRISTIANE VIEUX COOLPIXLa règle n° 1 pour moi est donc que l’Artiste prenne lui-même ses photos, ou alors qu’il se contente du travail d’un professionnel ou tout au moins d’un amateur éclairé. Car travailler sur base d’un cliché médiocre produira un travail médiocre sauf si l’on choisit délibérément l’interprétation semi-abstraite ou abstraite.

Lors d’une prise de vue, les deux « bases » dont il faut impérativement tenir compte sont : le contraste et l’équilibre. Le cadrage on s’en fiche, pour ça il y a des logiciels gratuits et simples comme Picasa dont je parle à plusieurs reprises par ex. pour recadrer/redresser/filigraner ou enlever le voile gris

Le contraste, en photo, fait ressortir les différences entre les éléments graphiques du cliché, et il peut se décliner en tons, en couleurs, en formes, en textures etc…

L’équilibre, lié au contraste mais s’y opposant, est la combinaison harmonieuse des différents éléments que l’on a dans le viseur. En photo, l’harmonie automatiquement recherchée par l’oeil peut se transgresser plus facilement qu’en art. C’est pour cela que l’Artiste-peintre fera lui-même ses photos car lui seul connaîtra le BUT dans lequel il fait ses prises de vues si possibles multipliées et sous différents angles. Enfin, il faut également penser au bagage du spectateur qui souvent ne connaît de la technique, que la netteté d’une photo ou l’originalité dans le choix du sujet… La netteté de la photo est évidemment indispensable pour un travail de qualité et ceci même si l’artiste ensuite choisit délibérément de flouter tout ou partie des éléments entrant dans sa composition.

Nous avons ici l’éternel problème commun au photographe et à l’artiste : respecter les règles, ou alors les briser.
Briser les règles s’harmonise plus à une interprétation moderne et colorée tandis que le respect des règles est plus approprié à l’Artiste-Peintre qui comme moi, recherche les lignes JUSTES avant d’y superposer son émotion ou la quintessence qu’il aura captée de son sujet.

Ensuite en partant des photos de qualité qu’il aura faites, l’Artiste-peintre devra enlever le voile gris résultant du transfert entre son appareil et son ordinateur, c’est très rapide dans Picasa (clic sur touche contraste ou j’ai de la chance) mais pour un travail hyper réaliste, Photoshop est évidemment plus pointu. La version Element à une centaine d’euros est suffisante pour la plupart des usagers, elle ne permet juste pas de convertir RVB en CMJN pour l’imprimeur. C’est un excellent investissement que je ne peux que recommander à tout le monde (pour ma part j’ai la version CS initiale et complète mais mon ordinateur est maintenant âgé donc j’avoue souvent passer par Picasa qui est plus léger d’utilisation).

L’équilibre en photo respecte à peu près les mêmes principes que les bases apprises en dessin… je ne détaille donc pas dans ce chapitre si ce n’est pour souligner le fait qu’il faut particulièrement penser, à la prise des photos tout comme à l’interprétation artistique, au parcours que suivre le regard une fois entré dans l’oeuvre.

Les artistes savent tous ce qu’est une ligne d’horizon, mais les débutants en photo rament un peu à ce niveau d’où, je répète, l’importance de prendre soi-même ses photos ou de recourir à un pro. A titre d’exemple, pour certains effets spécifiques en mangas, la ligne d’horizon doit se situer à ras du sol… alors qu’en Art plus classique cela serait rhédibitoire sauf effet spécial recherché.

Une autre chose qu’il vaut mieux avoir clairement à l’esprit avant de commencer, c’est le format sur lequel on compte partir pour dessiner et peindre. Plus dans le chapitre format & compo

La Lumière est aussi extrêmement importante.

CHRISTIANE ALLENBACH FAIRE NAITRE LA LUMIEREC’est l’une des raisons pour lesquelles je préfère travailler en ayant le sujet sous les yeux, au lieu de passer par une photo. Lorsque le sujet est élaboré, il convient de le dessiner sans marquer les ombres car elles vont changer au fur et à mesure que le temps passe. Mais en photo comme en peinture, c’est la Lumière qui fait la qualité d’un travail.
Techniquement en photo il faudra jongler avec la quantité de lumière qu’on veut capter, l’équilibre des couleurs, l’harmonie de l’ensemble… donc en mode manuel, il faut jouer avec la vitesse d’obturation et l’ouverture du diaphragme. En photo numérique avec un appareil simple, il faut se mettre sur le « mode » qui convient à ce que l’on veut faire et jongler entre l’utilisation ou pas du flash. Ci-dessous GROS PLAN D’UN DETAIL de nature morte faite d’abord avec flash et avec un résultat désastreux, puis la même faite au même moment SANS flash : la différence est flagrante, la photo sans flash correspondant plus à la réalité bien que pas tout à fait. Dès que la luminosité diminue, on se retrouve à faire un choix : flash ou pas. Pour vous éclairer, quelques repères : le flash peut éviter à votre numérique s’il est réglé sur automatique de passer en pose longue donc d’avoir des sources de lumières qui partent en abstraits… Si vous souhaitez par contre un effet clair-obscur, il vous faut un pied (un tronc d’arbre ou banc dehors font aussi l’affaire) car l’appareil se mettre en pose longue.

CHRISTIANE ALLENBACH | LA PARTIE ORIENTABLE PIED DE MON APPAREIL PHOTO

ALLENBACH CHRISTIANE AU FLASHALLENBACH CHRISTIANE SANS FLASHALLENBACH CHRISTIANE EXEMPLE NATURE MORTEJe fais exprès ici l’impasse sur les réflecteurs et autres sources de lumière indirecte car peu voudront se compliquer les choses… mais l’Artiste-Peintre soucieux de la qualité de ses tableaux s’y intéressera au moins un petit peu… un mini-stage-photo n’est donc jamais de trop.

Ensuite… une fois la photo faite comme il faut et bien recadrée, l’artiste dessine ce qu’on nomme « vignette ». En vignette, on peut faire l’équivalent de ce que le photographe nomme « travail sur une épreuve »… donc essayer différents contrastes ou voir quelles lignes il faudra en dessin modifier par rapport à la photo. Je soutiens qu’il faut faire ce travail à la MAIN et pas par voie informatique, la qualité de la peinture qui suivra en sera considérablement améliorée car on aura le sujet dans la peau et l’émotionnel ressurgira une fois qu’on n’aura plus trop à penser à la technique. Beaucoup s’auto-illusionnent en pensant que la Technique n’est pas nécessaire et que seul l’émotion compte mais c’est archi-faux, c’est un peu comme faire son permis de conduire : au début il faut se concentrer sur chaque détail comme désserer le frein à main, poser le pied sur la bonne pédale, passer une vitesse, sortir le clignotant, et une fois que tout est automatisé, on se décontracte et on profite de sa conduite. C’est pareil en Art. Les crayons et pinceaux ne peuvent vraiment s’éclater et traduire ce que l’on ressent qu’une fois qu’on est totalement libéré des difficultés techniques.

Ce n’est qu’une fois son travail techniquement et mentalement bien fait que l’Artiste peut s’emparer de ses pinceaux. Pour certains sujets, je laisse facilement passer 7 à 9 jours entre mes premières esquisses ou vignettes et le moment où je commence un travail avec le pinceau. C’est une maturation nécessaire, pas une perte de temps. Mais l’Artiste-peintre professionnel peut cumuler plusieurs travaux et passer à autre chose pendant que dans sa tête le nouveau sujet prend place…

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